Inside the Home of the Artists
Tiqui Atencio DemirdjianRizzoli
¿Quién no ha soñado con asomarse a las casas de los artistas? ¿Ver si tienen buen gusto, conviven con sus propias obras o mantienen un estilo completamente diferente al que desarrollan en su pintura o escultura? La coleccionista Tiqui Atencio se adentra en algunos de los hogares de los creadores más relevantes del momento en este tomo editado por Rizzoli, cuyo mayor atractivo son las imágenes en gran formato de Jean- François Jaussaud.
Este satisface nuestra curiosidad morbosa al colarse en la intimidad de una veintena de autores de renombre, entre ellos Tracey Emin, Cristina Iglesias, Ernesto Neto y Maurizio Cattelan (sí, el del plátano), para mostrar cómo son los espacios que habitan en su día a día. Spoiler: aquella célebre cama de sábanas sucias, botellas vacías y vómito reseco que casi le vale el Turner Prize a la británica Emin, poco tiene que ver con su actual dormitorio, perfectamente ordenado dentro de una elegante casa londinense del siglo XVIII.
Gracias a Inside the Home of the Artist sabemos que Julie Mehretu rehabilitó una iglesia neogótica en Manhattan para vivir, o que William Kentridge sigue habitando su casa de la infancia, ubicada en un frondoso barrio de Johannesburgo. Aunque no hace falta irse tan lejos para encontrar un espacio fascinante; basta con admirar la fortaleza de Barceló, una masía mallorquina con vistas al mar y la montaña donde puedes encontrar una escultura propia junto a varias ánforas clásicas, una virgen medieval y un traje de torero. Todo ello colocado en un salón sorprendentemente ordenado, en comparación con el caos que impera en su estudio, situado a escasos metros del hogar.
ÁRBOLES, una exploración de su mundo de la raíz a la copa
Tony Kirkham Phaidon
Desde que el hombre ha tenido capacidad de expresarse, ha representado la naturaleza y cuanto había a su alrededor. Especialmente los árboles, que han acompañado a la civilización desde el principio de los tiempos. Palmeras, secuoyas gigantes, ginkgos, flores de cerezo y centenares de especies ilustran diferentes momentos de la historia y sus pueblos, a menudo inmortalizados por los artistas. Ahora Phaidon reúne cerca de 300 especies vegetales en este singular repaso arbóreo, que muestra desde pinturas de paisajes a dibujos botánicos, ilustraciones antiguas, fotografías contemporáneas o miniaturas. Se trata, por tanto, de un paseo por la Historia del Arte desde la antigua Grecia hasta la actualidad, que demuestra cómo algunos libros no solo están para leerlos, sino también para disfrutar del puro placer visual de deleitarnos mientras pasamos sus páginas.
No obstante, este gran volumen cargado de belleza y arte esconde una última enseñanza. O más bien anhelo. Tony Kirkham, exdirector del Real Jardín Botánico de los Kew Gardens de Londres, explica en la introducción que “ojalá la belleza y el simbolismo de estas obras despierten interés y preocupación por los males que aquejan a la naturaleza”.
Caravaggio. El ‘Ecce Homo’ desvelado
Varios Autores Marsilio Editori
Cuando en 2021 se dio a conocer el Ecce Homo en una casa de subastas madrileña, se produjo un auténtico terremoto. La sola posibilidad de que se tratase del último Caravaggio descubierto, despertó el interés mundial por la obra. Lo que siguió después fue casi como una novela de suspense contada por entregas: su retirada de la subasta, su inexportabilidad, el estudio por parte de los expertos, la restauración desarrollada casi en secreto, su reciente adquisición por parte de un coleccionista inglés…
Las partes más escabrosas de esta historia se han contado sobradamente en los medios de comunicación, pero hacía falta un análisis profundo y pausado que explicase por qué la obra se atribuye a Caravaggio. Este volumen ofrece una serie de ensayos firmados por cuatro de los especialistas más autorizados en pintura barroca italiana y especialmente el artista, que arrojan luz sobre su procedencia.
Maria Cristina Terzaghi, una de las primeras en intuir la mano de Michelangelo Merisi en aquella escena madrileña, escribe uno de los estudios, aportando numerosos datos estilísticos, técnicos y documentales que trazan la historia de este Caravaggio desvelado, uno de los más fascinantes de los últimos tiempos. Keith Christiansen, Gianni Papi y Giuseppe Porzio completan el puzle de este lienzo que llegó a España para incorporarse a las colecciones reales y salió de manera inesperada en el siglo XIX.
Arquitectura de la soledad
Rosana Rubio Hernández y Fernando Nieto. Ediciones Asimétricas
Una de las editoriales imprescindibles en el campo de la arquitectura trae un texto imprescindible este año. Arquitectura de la soledad nació antes de la era pandémica y los años transcurridos no han hecho sino darle la razón a los temas que trata: soledad no deseada, sociedad del envejecimiento, aislamiento, conectividad… Y todo ello en relación a los entornos construidos. Con la creciente prevalencia de personas que viven solas y la generalización de las relaciones sociales a través de entornos virtuales, se tornaba imperativo examinar la soledad desde múltiples ángulos. Lo hacen los diez textos que condensan aportaciones de Ben L. Mijuskovic, Christina R. Victor, Juhani Pallasmaa, Javier Echeverría, Atxu Amann , Flavio Martella, Lola S. Almendros, Lars Svendsen, Christopher R. Long, James R. Averill, Eric Klinenberg y Juan Navarro Baldeweg, además de los dos editores.
Concebido desde una perspectiva interdisciplinar, esta obra desentraña las complejidades de un fenómeno redescubierto ahora bajo la forma de epidemia silenciosa y contemporánea. Pero este enfoque no es el único que trata: le acompañan ensayos que abordan los beneficios de estar solo, entre otros puntos de vista. En todo caso, los artículos que recoge este volumen examinan cómo el entorno construido puede acentuar o mitigar las diversas manifestaciones de la soledad. Desde la escala individual de la habitación hasta la amplitud de los paisajes urbanos, los autores trazan la capacidad de la arquitectura para mediar entre el individuo y la comunidad.
Ilusorias: Las imágenes del poder
Pedro García Martín Punto de Vista Editores
Las imágenes nos hablan, nos cuentan historias, despiertan nuestra memoria adormecida para proyectarnos en el presente realidades pasadas. El poder de la imagen ha sido estudiado a lo largo y ancho del planeta. Instantáneas, trazos sobre lienzos que consiguen condensar los ideales de una época, su cultura, el estado de sus civilizaciones. Pedro García Martín se adentra en un viaje de siglos de historia para analizar el mensaje de un grupo concreto de imágenes: las del poder. ¿Qué nos está diciendo (sin palabras) la Estela del Código de Hammurabi (1200 a.C,) o el Dios solar Ra e Imentet en la tumba de Nefertiti (siglo XIII a.C,)? ¿Y La rendición de Breda (1634) de Diego Velázquez, o Dante y Virgilio en el infierno (1822) de Eugène Delacroix?
Tal y como expone el historiador en la primera parte, a la que titula Las personas: los gobernantes y los gobernados, las imágenes del poder, casi siempre, tratan de “contraponer la belleza de los tocados por la gracia de Dios a la fealdad de las clases subalternas”. Los poderosos desprenden luz, aparecen representados como personas extraordinarias, admirables, mientras los súbditos quedan proyectados como gente grisácea, sin ningún brillo. En el transcurso de estas páginas, el autor analiza las culturas del cuerpo humano, el canon de los poderosos, el lenguaje corporal, los gestos de moda y hasta los arquetipos ideales, desde los semidioses hasta los superhéroes.
En la segunda parte, Los símbolos del poder, se analizan esos signos lingüísticos que han permanecido a lo largo de los siglos: el bastón de mando, la vara de la justicia, el cetro real, las coronas, los tronos, los escudos heráldicos… Desde Egipto y Grecia, hasta nuestros días. Por último, en la tercera parte, Las escenificaciones del poder, el autor se adentra en los espacios que envuelven las imágenes desgranando no solo las arquitecturas palaciegas, sino también hablando de ceremonias, fiestas, revueltas y conflictos. En definitiva, ‘Ilusorias: Las imágenes del poder’, es un libro con una excelente narrativa que invita a la reflexión, a recorrer un largo trayecto histórico que nos desvela el verdadero poder de las imágenes.
Bill Viola. Estética del tiempo y la emoción
Carlos Vara Sánchez Casimiro
El 6 de mayo de este año se ponía en librerías el ensayito de Casimiro dedicado a Bill Viola. Dos meses, casi exactos, después moría el artista que consiguió detener el tiempo en sus obras, pero no por eso logró que la muerte no le atrapara. Para quienes no estén relacionados con la editorial, el término ensayito no es en absoluto despectivo, sino más bien preciso. Casimiro –un caso editorial– publica desde 2010 textos clásicos en los que un artista reflexiona sobre una materia o un autor glosa a otro siempre en formato pequeño y pocas páginas, alrededor de 100.
El texto de Carlos Vara sobre Viola, una aproximación filosófico-estética, resume, condensa y actualiza los años que le dedicó a su tesis sobre el artista norteamericano y tiene ecos de esa primera vez en que de niño, de la mano de sus padres, se encontró con sus exquisitas videocreaciones en una sala del Museo Reina Sofía, en Madrid. El texto se centra en cuatro obras de Viola, para volcar su reflexión sobre cómo la exposición al arte cortocircuita el tiempo del espectador a través del sentimiento y la vivencia, cómo lo observado de forma externa se hace uno con la carne que mira, siente y es transformada. Una experiencia particularmente intensa en el caso de las obras de Bill Viola que constituyen aquí el eje de la reflexión.
Programa de desorden absoluto. Descolonizar el museo
Françoise Vergès Akal
La feminista y activista francesa, profesora en el Goldsmiths College de Londres y presidenta del Comité para la memoria y la historia de la esclavitud, así como de la asociación Décoloniser les arts, publicó en 2023 este libro en francés. Akal lo ha traducido este año –Francisco López Martín ha sido el encargado– y ha dado en el clavo: la descolonización de los museos, que desde hace décadas viene ocupando la reflexión artística desde el punto de vista institucional, se ha convertido en uno de los grandes temas de discusión en este 2024 desde que el ministro de cultura, Ernest Urtasun anunciara una revisión destinada a superar el marco colonial. La pensadora francesa, nacida en la isla de La Reunión, explica el título echando mano de un texto de Franz Fanon de 1961 en el que este afirmaba que la descolonización “es un programa de desorden absoluto, pero no puede ser el resultado de una operación mágica, una sacudida natural o de un entendimiento amigable”. Desorden no quiere decir caos, sino un desafío a lo que los poderosos llaman el orden del mundo, un mundo que han construido y les gustaría que fuera inmutable.
Según sus tesis, el museo occidental es un campo de batalla ideológico, político y económico. No es un espacio neutro sino un producto de la Ilustración y del colonialismo, de una Europa que se presenta como guardiana del patrimonio de toda la humanidad. El ejemplo del que parte es el Louvre parisino. Desde el corazón de las guerras culturales, este es un texto no exento de polémica, pero esencial a la hora de conocer en profundidad los argumentos esgrimidos en favor de la descolonización de los museos.
La ligereza
Juan CárdenasPeriférica
“El gran arte siempre parece flotar, cosa tanto más sorprendente si se trata de objetos voluminosos: las catedrales góticas, como naves espaciales a punto de despegar […]; la composición abisal de Velázquez; los edificios de Lina Bo Bardi. Obras pesadas pero que logran suspenderse en el aire, no sabemos si a pesar o a causa de su densidad. La ligereza, por tanto, como seña del gran arte. Dan ganas de soltar esta fórmula: si no flota, no es arte”.
En tiempos en los que se habla mucho para no decir nada resulta especialmente llamativo lo contrario: decir mucho hablando, escribiendo, poco. Este ensayo del colombiano Juan Cárdenas para Periférica lo hace y es un alivio. Trata mucho, sobre todo de arte, pero no solo. Es un ensayo sobre nuestro tiempo y las cosas que son pesadas y las que no. Casi todas pertenecen al primer grupo porque la ligereza es difícil, requiere virtuosismo, naturaleza, y se parece a la vida no por imitación sino en esencia: es capaz de traducir sus leyes secretas al lenguaje de las formas sensibles.
El de Cárdenas es un ensayo contra el engrudo cotidiano que lo hace todo más difícil, más oscuro y más feo. Es un texto que salta y va de aquí a allá sin prejuicios, sin frases hechas y con tesis nuevas y que renuevan: “Todo gran arte trae consigo la marca de la ligereza”, escribe Cárdenas, y este libro permite sumergirse en ella.
Forgotten Architecture
AA. VV.Nero
Construcciones extrañas, sublimes, rupturistas, fascinantes, absurdas, sofisticadas, muchas veces anónimas y casi siempre olvidadas por la historia oficial hasta el punto de considerarse anacrónicas. Forgotten Architecture es una divertida enciclopedia de la arquitectura y el diseño que quedó al margen, pero que la cultura digital y las redes sociales reivindicó mediante un trabajo colectivo en el que el vínculo emocional hacia la arquitectura tiene tanto valor como lo artístico.
El libro, publicado por Nero, incluye decenas de ejemplos de arquitectura que los usuarios del grupo creado en Facebook en 2019 bajo el título Forgotten Architecture –ahora también se encuentra en Instagram– iban subiendo a la red. Debían ser proyectos de arquitectos menos conocidos o apartados en la sombra de aquellos que desde la modernidad han acaparado los focos. Para crear así una historia de la arquitectura popular y alternativa.
No todas las obras que seleccionadas son de profesionales anónimos, también hay proyectos marginales y fascinantes de gente como Ettore Sottsas o el español José Manuel Prada Poole –pionero de la arquitectura inflable–, pero por lo general vemos nombres menos familiares para los no iniciados, como la diseñadora italiana Nanda Vigo.
Sin pertenecer a lo que se conoce como arquitectura posmoderna, son propuestas que conectan con ese espíritu irreverente forjado en los ochenta y que ahora parece tomar el relevo del movimiento que con más éxito ha sido reivindicado estos últimos años, también a partir de las redes sociales: el brutalismo.
Plan de Huida
Agustín Ferrer Casas Grafito Editorial
Una, dos, tres…Hasta nueve bombas cayeron en las inmediaciones del Museo del Prado antes de que el Gobierno republicado se decidiera a sacar de allí los cuadros para ponerlos a salvo de los ataques de los nacionalistas. Medio millar de obras fueron trasladadas hasta Valencia, donde se habían movido todos los poderes fácticos a la vista de que la capital estaba a punto de caer en manos del enemigo. Entre los Goyas, los Velázquez y los Murillos, viajaba también la mujer con la media sonrisa más comentada de la Historia. Una de las versiones de la Gioconda realizada por el taller de Leonardo da Vinci cuyo destino marca el punto divergente entre la Historia y la ficción firmada por Agustín Ferrer Casas.
La trama de este cómic se desarrolla en dos líneas temporales. La primera de ellas nos sitúa en algún punto cercano al presente y tiene como punto de partida el encuentro entre el historiador José María Ledesma y el cazatesoros Borja Tramontana, quien asegura estar en posesión de pruebas que demuestran que el cuadro fue robado décadas atrás. La segunda, nos sitúa en Barcelona en 1936, donde una mujer urde un plan para robar la Mona Lisa con el fin de venderla y poder financiar así los pasajes de su familia y ella misma al exilio.
Ferrer Casas -autor de otra novela gráfica que no pirró, MIES- van entrelazando las dos historias del mismo modo que mezcla la realidad con su invención. Plan de Huida -que surge de la idea original de Josep Busquet- trata de recrear de la forma más fidedigna posible no sólo el contexto histórico en el que se desarrolla la acción y las obras que aparecen reflejadas en el libro -para lo que el autor se basó en El milagro del Prado, de José Calvo Poyato- sino también los uniformes, vestimentas y emplazamientos de la época.
Toda la belleza del mundo
Patrick BringleyPaidós
¿Puede la belleza ser un bálsamo que alivie el dolor causado por una pérdida inexplicable?¿Puede uno envolverse en ella como si fuera una crisálida hasta sentirse mínimamente reparado? Patrick Bringley estaba donde cualquiera soñaría estar al inicio (y al final) de su carrera: en el The New Yorker. Pero una pesadilla le hizo despertar: a su hermano mayor le diagnosticaron un cáncer terminal.
Abrumado por el dolor y la pérdida, Bringley abandonó un trabajo que le obligaba a estar en primera línea cada día por otro que le brindaba la oportunidad de pasar desapercibido y ceder el protagonismo (y admirar) a otros, el de vigilante del Metropolitan de Nueva York. En las pinturas de artistas como Georgia O’Keeffe, Picasso, Van Gogh o Degas encontró respuesta a las preguntas existenciales que le asediaban. Toda la belleza del mundo es una carta de agradecimiento -y una suerte de visita guiada para el lector- en la que Bringley rinde homenaje al MET poniendo en valor los entresijos, las virtudes y la labor -que a menudo pasa inadvertida- de los trabajadores de uno de los museos más famosos del mundo, en el que llegó a trabajar durante toda una década.
Psicogeografía. Trayectoria de un método
AA. VV. Pepitas de calabaza
La psicogeografía es el estudio de los efectos del medio geográfico, ordenado conscientemente o no, sobre el comportamiento de las personas. Esta definición la ideó la Internacional Situacionista, una organización de artistas e intelectuales que opinaba que la fórmula para trastocar el mundo para bien no la tenemos que buscar en los libros, sino vagando por las calles.
Es a eso a lo que se dedicaron muchos de ellos que denunciaron las injusticias que se fueron encontrando a su paso. Por ejemplo, cuando se destruyó la calle Sauvage, "uno de los más bellos lugares espontáneamente psicogeográficos de París" que permitía contemplar la más impresionante perspectiva nocturna de la ciudad. O cuando se acumularon tantos coches que fue imposible aparcar en la capital francesa, ante lo que se propuso prohibir todos los vehículos privados y sustituirlos por taxis baratos: "El taxi, intercambiable, no compromete al viajero, puede ser tomado al azar y abandonado en cualquier parte". Eran los años 50.
El libro Psicogeografías. Trayectoria de un método editado por Pepitas, recopila textos publicados por la Internacional Letrista y la Internacional Situacionista, además de una amplia selección de sus antecedentes y desarrollos posteriores. De esta forma, el lector podrá encontrar artículos relacionados con distintas ciudades de Baudelaire, De Quincey o Apollinaire, entre otros. Pero principalmente teorías provenientes de las dos organizaciones, tanto de sus ideas brillantes como también de las descabelladas. Y es que también hubo de estas últimas.
Gilles Ivain, cuyo verdadero nombre era Ivan Vladimirovitch Chtcheglow, fue miembro de la Internacional Situacionista, organización por la que tuvo un paso fulgurante pero productivo ya que aportó las herramientas fundamentales para la definición de la psicogeografía y del urbanismo unitario. Sin embargo, su proyecto de volar con explosivos la Torre Eiffel en 1959 lo condujo a un centro psiquiátrico, donde recibió un tratamiento de electroshock que lo condenó al ostracismo.
Constant Nieuwenhuys por su parte, se unió a la Internacional Situacionista en 1956. Aunque había participado en el grupo CoBrA como pintor, recibió formación arquitectónica y llevó a cabo una labor que pretendía dar un sentido global a las investigaciones sobre el urbanismo unitario. Su proyecto utópico, bautizado como New Babylon, proponía la creación de ciudades móviles que, suspendidas sobre altos pilares, permitieran la circularidad de vehículos por debajo, dejando libres las zonas dedicadas a las personas.
En fin, capaces de lo mejor y lo peor.
El arte de vivir más lento
José Mendiola y Ana Gónzález Editorial Alienta
Vale, esto no es un libro de arte. Pero, como dijo en una ocasión el escritor Jesús Terrés, "hemos sustituido la belleza de la vida que simplemente es, por una imperiosa necesidad de programarlo todo. Quizás sea momento de rendirse, de celebrar lo aparentemente inútil y de recordar que, en realidad, solo hay un viaje".
Y saben cuál es, ¿verdad?
Si comemos, encendemos la televisión. Si contemplamos un cuadro en un museo o un simple paisaje, le hacemos una foto para compartirla en nuestras redes sociales. Si vamos a caminar, escuchamos un pódcast. Y si vemos una película, no dejamos de consultar el teléfono. El arte de vivir más lento nos propone aprender a poner nuestra atención en las cosas realmente importantes. A desacelerar el ritmo de vida y volver a conectar con nosotros mismos, la naturaleza y las personas que nos rodean.
Sus autores, José Mendiola y Ana Gónzález sufrieron un colapso en sus respectivas vidas. Sus mentes y cuerpos dijeron "basta". Llegaron a la conclusión de que el poco tiempo que iban a estar en esta vida no lo iban a pasar exclusivamente trabajando. Así, escribieron conjuntamente este libro que propone una filosofía de vida basada en el minimalismo o esencialismo. En la eliminación de lo innecesario, tanto en lo material como en lo inmaterial. Tanto con las cosas como con las personas.
La simplicidad, en definitiva. Una forma de vida que conduce hacia más espacio para lo esencial. Tener menos, simplificar nuestra existencia, para llevar una vida más pausada, presente y contemplativa. ¿Cómo? Con unas simples reglas: priorizar, simplificar, planificar y disfrutar. Lo que nos conduce a desacelerar nuestro ritmo de vida; valorar más la calidad de un solo plan que la cantidad de muchos otros; consumir de manera consciente; trabajar más despacio -lo sentimos, empresas-; reforzar la relación con las personas que importan, evitando a las tóxicas; y, sobre todo, a conectar con nosotros mismos y la naturaleza.
El movimiento minimalista o esencialista se puede aplicar a la arquitectura, el arte, la moda o el estilo de vida ya que está basado en la premisa de "menos es más". El mismo espíritu que impulsó a la Bauhaus. Y es que la calidad de vida no está determinada por la cantidad de cosas que posean -nada de eso se lo llevarán cuando dejen este mundo-, sino por la profundidad y riqueza de sus experiencias. Este libro les ayudará a encontrarlas.
