Las 10 (+1) mejores películas extranjeras de 2025: entre el ¡miau! y las conversaciones de bar

Repaso la lista de mejores películas de 2024 y no parece que haya pasado ya un año, sino un siglo. Entre medias trescientos sesenta y cinco días de estrenos, de festivales y de lanzamientos directamente en plataforma. De películas que han agitado la conversación global y películas que apenas han pasado de puntillas. Nuevos directores que se han presentado al mundo con sus mejores galas y veteranos que se niegan a soltar la cámara. Historias que aportan una mirada al mundo que nos rodea e historias que sólo miran al cine, como la última retaguardia de la fantasía. En El Confidencial hemos elegido las once mejores películas extranjeras de 2025, en un año en el que el cine made in USA se ha impuesto con holgura. ¿Será cierto aquello de que las crisis aguzan la creatividad?

11. Los pecadores (Sinners), de Ryan Coogler

El director de Creed. La leyenda de Rocky (2015) y de Black Panther (2018), Ryan Coogler, sorprendió a principios de año a crítica y público con una película inesperada, una anomalía en una industria que tiende a anticipar y promocionar previamente sus títulos hasta hacer desaparecer el misterio. Ambientada en el Misisipi rural de los años treinta, con una impresionante banda sonora que pone a pelear el blues y el folk y que mezcla temas tradicionales con composiciones a cargo del sueco Ludwig Göransson, Los pecadores (Sinners) arranca como un drama histórico alrededor de la segregación racial en Estados Unidos para explotar en un relato fantástico y de terror sangriento insospechado.

Los pecadores parte de la historia de dos hermanos gemelos (interpretados por Michael B. Johnson) que vuelven a su pueblo natal después de hacer algo de fortuna trabajando para la mafia chicagüense. Empeñados en abrir el local con la mejor música negra de la zona, deberán enfrentarse a la oligarquía local, una comunidad blanca y privilegiada que no está dispuesta a compartir sus espacios con los que no son como ellos.

10. Dos fiscales, de Sergey Loznitsa

El ucraniano Sergey Loznitsa compitió por la Palma de Oro de Cannes con este drama histórico que también nos traslada a los años treinta, pero en este caso en la Unión Soviética. El director de Donbass (2018) y Sobre la historia natural de la destrucción (2022) se adentra ahora en las tripas de la burocracia como arma de represión en los peores años del "ascenso del terror estalinista". Loznitsa invita al espectador a compartir las largas esperas de un joven fiscal (Alexander Kuznetsov), quien todavía cree ciegamente en el sistema y en la revolución, a través del laberinto judicial en un caso de encarcelamiento que cree injusto. Loznitsa despliega aquí una sucesión de bellísimas composiciones en un retrato desolador de la fuerza del aparato del Estado frente al individuo. Dos fiscales se basa, además, en la novela homónima escrita por el físico Georgy Demidov en 1969, que fue un preso político durante aquellos años de purgas y persecuciones sistemáticas, y que no pudo ser publicada hasta 2009.

9. The Mastermind, de Kelly Reichardt

Una noticia en el periódico es la inspiración de la mejor película de atracos de los últimos tiempos. Una película de atracos con un ritmo contemplativo y un punto de tragicomedia. Josh O'Connor, uno de los actores más interesantes de su generación, interpreta a un ladrón de arte con poca pericia y no mucha ambición. Mooney, un joven de familia acomodada -su padre es juez- y sin oficio ni beneficio decide robar unos cuadros de Arthur Dove acompañado de una banda inexperta. Y -¡spoiler!- el robo no sale como esperado. La cineasta estadounidense Kelly Reichardt (First Cow) traslada a la pantalla muy libremente un robo acaecido en 1972 en el Museo de Arte de Worcester, en el que se llevaron un Picasso, un Rembrandt y dos pinturas de Gauguin. The Mastermind se acaba centrando en el retrato psicológico de un narcisista dispuesto a cualquier cosa con tal de salirse con la suya, todo a ritmo de una banda sonora de jazz experimental a cargo de Rob Mazurek. La película fue la ganadora -junto al Magallanes de Lav Díaz- de la Espiga de Oro de la pasada Seminci, la última dirigida por José Luis Cienfuegos, fallecido el 2 de diciembre y a quien echaremos mucho de menos.

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Marta Medina del Valle

8. Valor sentimental, de Joachim Trier

El cine como único método de comunicación posible entre un padre y una hija no demasiado bien avenidos. Él, Gustav (Stellan Skarsgård), es un conocido director de cine de autor en horas bajas. Ella, Nora (Renate Reinsve), es una actriz de teatro que sufre ataques de pánico sobre el escenario. Él abandonó a su familia cuando Nora era pequeña y ahora reaparece tras la muerte de la madre de ella. Después de La peor persona del mundo, el cineasta escandinavo Joachim Trier se reúne de nuevo con su actriz fetiche (Reinsve) para dibujar un retrato familiar bergmaniano, lleno de complejidades y matices, con una puesta en escena sobria y un trabajo actoral soberbio que también cuenta con la participación de Elle Fanning. Valor sentimental pasó por el Festival de Cannes y se llevó el Gran Premio del Jurado.

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Marta Medina del Valle

7. Una casa llena de dinamita, de Kathryn Bigelow

"Hemos construido una casa con paredes llenas de dinamita y nos hemos empeñado en vivir en ella", sentencia uno de los personajes de Una casa llena de dinamita, la última película de la primera mujer en ganar el Oscar a Mejor dirección, Kathryn Bigelow (en 2010 por En tierra hostil). Una mañana cualquiera, como la de hoy o mañana, valga la redundancia, los radares que el Ejército Estadounidense ha repartido por toda la atmósfera detectan el lanzamiento de un misil de origen desconocido y que se dirige al país norteamericano. De pronto, entre las nimias cotidianidades se abre la posibilidad del estallido de una guerra nuclear. A través de varios puntos de vista de trabajadores del Gobierno estadounidense, desde los mandos más altos hasta los puestos más técnicos, la directora replica los protocolos más secretos del Pentágono como si de un manual de instrucciones se tratara. Y el resumen para el ciudadano de a pie es desesperanzador (o no): si algún día estalla la Tercera Guerra Mundial, usted y yo, ciudadanos de a pie, ni nos enteraremos de qué va la cosa. Tras su paso por la Competición del Festival de Venecia, Una casa llena de dinamita tuvo un estreno limitado en salas -es uno de los títulos reincidentes en las quinielas del Oscar- y ya se encuentra disponible en Netflix.

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Marta Medina del Valle

6. Flow, un mundo al que salvar, de Gints Zilbalodis

Fue la gran sorpresa de la anterior temporada de premios. Una película de animación letona, totalmente artesanal e independiente de cualquier gran estudio, sin diálogos y protagonizada por un gato: todas las papeletas para que nadie fuese a verla. Sin embargo, es ese encanto de película hecha con pasión al margen de todas las modas y esa mirada lúcida y translúcida sobre la colaboración en tiempos de desastre lo que cautiva de este trabajo de Gints Zilbalodis. En un mundo postapocalíptico que ha sufrido una gran inundación que aparentemente ha erradicado la vida humana, un gato doméstico se embarca en una aventura por la supervivencia, encontrándose en el camino a perros, carpinchos, lémures y aves de todo tipo. Flow se estrenó en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes y acabó cosechando dos nominaciones en los Oscar; ganó la estatuilla a Mejor película de animación. ¡No se la pierdan!

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Paula Corroto

5. La voz de Hind, de Kaouther Ben Hania

La última película de la directora tunecina Kaouther Ben Hania es, probablemente, la película más importante de 2025. Estrenada en el Festival de Venecia, donde ganó el Gran Premio del Jurado, La voz de Hind es un recordatorio de la inacción de todo el planeta frente al genocidio del pueblo palestino a manos del Ejército de Israel. La película, que es una ficción aunque podría ser un documental, reproduce las últimas horas de vida de Hind Rajab, una niña gazatí a la que, en medio de una evacuación forzada, un tanque israelí ataca, matando a toda su familia. Encerrada en un coche al que el tanque sigue tiroteando, la niña consigue contactar con el teléfono de emergencias que intenta mandar una ambulancia para rescatarla.

Centrada en una única localización, la sala de teleoperadores de emergencias, La voz de Hind transmite la desesperación de la niña y de quienes deben ayudarla, enredados en un laberinto burocrático impuesto por el Gobierno israelí que favorece la impunidad y la inacción como otra forma de castigo al pueblo palestino. Lo más escalofriante de La voz de Hind: la voz que se escucha al otro lado del teléfono es la voz real de Hind Rajab. Ben Hania se limita a recrear escrupulosamente la realidad a través de la ficción para intentar despertar la conciencia insensibilizada de la comunidad internacional. Si no lo consigue, al menos queda el registro de que aquello ocurrió.

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Paula Corroto

4. Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson

En Una batalla tras otra, Paul Thomas Anderson, el gran cronista de las disforias yanquis, plantea un Estados Unidos imbuido en un conflicto entre un Gobierno manejado por unas élites corruptas y secretas y un grupo de revolucionarios que atentan contra él. Favorita, de momento, en la carrera de los Oscar, Una batalla tras otra es un disfrute audiovisual, lleno de ritmo y de ideas, con un mestizaje de tonos y de géneros que la convierte en una narración imprevisible y tremendamente disfrutable. Entre las grandes bazas de la película, el triángulo de odio y sexo que mueve a los personajes protagonistas, interpretados por Leonardo DiCaprio, Sean Penn y Teyana Taylor, y ese secundario robaescenas que es Benicio del Toro, un maestro karateka zen, líder de la rebelión latina underground.

3. F1, de Joseph Kosinski

Jamás pensó quien esto escribe que una película sobre la Fórmula 1 tuviera el más mínimo interés. Jamás pensó quien esto escribe que una "americanada" del calibre de esta superproducción protagonizada por Brad Pitt fuera algo más que un mero producto de marketing diseñado para contentar a las masas. Y claro que mucho de eso hay, pero F1: la película es cine para público adulto a la antigua usanza, un blockbuster con enjundia, además de un despliegue horripilante de marcas y lujo y todo lo peor de la industria hollywoodiense. Aun así, si el espectador es capaz de abstraerse de los compromisos publicitarios -por ahí aparecen también Fernando Alonso, Carlos Sainz y Lewis Hamilton, que participó activamente en la producción de la película-, encontrará una historia bien contada sobre rivalidad y segundas oportunidades, sobre la vida al margen de las expectativas, sobre la libertad de hacerle una peineta al sistema. Con el musicote de Hans Zimmer, un trabajo de sonido envolvente, la espectacular dirección de fotografía de Claudio Miranda, el montaje de Stephen Mirrione y Patrick J. Smith, F1 se convierte en una experiencia inmersiva sobre ruedas. Mención también a Javier Bardem como antiguo compañero y jefe de filas del protagonista y a Damson Idris como el piloto ensimismado que sufre los pecados vanidosos de la juventud.

2. El jockey, de Luis Ortega

Esta maravillosa marcianada del argentino Luis Ortega es una de las películas más estimulantes de los últimos tiempos. Ortega no deja de agotar cada plano y llenarlo de ideas visuales y sonoras. ¿De qué trata? Poco importa. Hay que dejarse arrastrar por esta historia con tintes surrealistas sobre un jockey alcohólico (interpretado por Nahuel Pérez Biscayart) que, tras sufrir un accidente, olvida quién es. Lo acompaña Úrsula Corberó en este thriller cómico dramático heredero del espíritu Kaurismaki con flow latino. En El jockey hay mafiosos, persecuciones, carreras de caballos y mucho slapstick. Pero, sobre todo, mucho cine. Un cine que hay que ver con la mente, los oídos y los ojos muy abiertos.

1. Blue Moon, de Richard Linklater

¡Qué joya absoluta sobre la belleza de las palabras la segunda película que estrena Richard Linklater en un mismo año! Si Nouvelle Vague, que compitió en Cannes por la Palma de Oro, es el primer retro making-of del cine, un canto de amor a la libertad de la que fue estandarte la nueva ola francesa capitaneada por Godard, Blue Moon es otra carta de amor al rigor de la palabra escrita -o cantada-, a sus ritmos, sus acepciones, su capacidad evocadora. Ambientada en el Nueva York de los años 40, en plena Segunda Guerra Mundial, y localizada en un único espacio -un bar-, Blue Moon retrata al letrista Lorenz Hart -autor de la letra de temas icónicos de la cultura americana como Blue Moon, The Lady is a Tramp y My Funny Valentine- en sus horas bajas previas a su muerte. Rodada casi como una obra de teatro y condensando la acción casi a tiempo real durante unas horas en una noche, Linklater firma una de las películas más melancólicamente bellas del año de la mano de un Ethan Hawke que sostiene sobre su verborrea y renquera el peso de gran parte del film y de una Margaret Qualley encantadora como objeto de deseo inalcanzable y musa inspiradora. La magia artesana de Linklater en pleno plectro.